A tela

 

Um retângulo preto com um pequeno círculo vermelho um pouco acima do meio do lado e mais à esquerda é o que todos vemos obviamente. Mas o que é isso? Não tem sequer um vulto, uma silhueta, nada. Apenas duas cores nessa composição sem profundidade ou perspectiva. Também não tem textura e nem marcas de pincel.

É uma tela pintada à óleo, um abstrato, que desafia a sua curiosidade em decifrar o que o artista quer transmitir, e é por isso que muitas vezes as pessoas ficam horas a fio com a mente aguçada imaginando coisas sobre determinadas obras.

De beleza plástica singular, com esse fundo preto e apenas um pingo de tinta vermelha a obra está pronta, concluída, esperando por uma resposta sua como quem diz: leia-me. Decifre-me. Eu sou um enigma. Mas você como a maioria dos mortais pensaria: Eu, sinceramente, não colocaria essa coisa na minha parede. Isso é obra para museu.

Pois é, quem iria imaginar que o artista quer mostrar um personagem do folclore brasileiro, que também ninguém vê mas faz parte do imaginário? – Leitura: É um Saci Pererê que sai altas horas na escuridão da noite dando umas pitadas em seu cachimbo? Vendo de longe, poderia também ser um Preto Velho fumando charuto no meio da escuridão.
Mas alguém disse – Não vejo nada nessa obra, a não ser esse fundo preto e um minúsculo círculo vermelho, que não significa nada.

Nem todos os olhos estão treinados para observar a arte que os desafia a desvendá-la.

Carlos Holanda

Pinturas em tela de Carlos Holanda

 

10 pinturas acrílicas sobre tela de Carlos Holanda

Pintura em tela de Carlos Holanda

                                     Acrílica sobre tela - obra e foto de Carlos Holanda

Arte e experiências de pintura corporal

Há tantas maneiras de ser humano. Como nós decoramos nossos corpos diz aos outros quem somos como indivíduos.

Em todo o mundo, muitas pessoas usam sua pele como tela viva, representando experiências passadas, bravura, status, beleza, proteção, fertilidade, mágico, transformações e conexões com outros reinos.

Esses tipos incríveis de expressão, desempenho e pertencente existem em dois mundos paralelos, um dos velhos rituais e tradições que nos distinguem como o ser humano, ea outra da arte do corpo como uma forma de arte contemporânea.

Pintura corporal é uma forma de arte corporal.

Ao contrário da tatuagem e outras formas de arte corporal permanente, a pintura do corpo é temporária, pintada na pele humana, e dura por um dia, ou no máximo (no caso de Mehndi, henna ou tatuagem temporária, tatuagens brilhantes) um par de semanas. A pintura do corpo que é limitada ao rosto é conhecida como pintura facial.

A arte corporal também é uma subcategoria de arte de performance, na qual os artistas usam ou abusam de seu próprio corpo para fazer suas declarações particulares.

Grande escala ou pintura de corpo inteiro é mais comumente referido como pintura corporal, enquanto menor ou mais detalhado trabalho às vezes pode ser referido como tatuagens temporárias.

Pintura Corporal

Toda sociedade importante, passada ou presente, tem ou teve sua própria cultura de arte corporal.

Os rituais são uma constante universal na sociedade humana. Começando com o início do desenvolvimento cultural humano, os rituais continuaram a ter espaço na sociedade, mesmo no mundo moderno.

Não há escassez de pesquisas sobre rituais e teorias sobre sua natureza.

Em todas as culturas, os rituais coincidem com grandes pontos de viragem da vida em relação ao indivíduo (nascimento, puberdade, casamento, morte).

A pintura corporal com argila e outros pigmentos naturais existiam na maioria, senão em todas as culturas tribais. Usado frequentemente durante cerimônias, esta forma antiga da expressão é usada ainda entre muitos povos indígenas do mundo hoje.

Outras formas de arte baseadas em rituais incluem tatuagens, piercing, nariz-orelhas-boca plugues, Mehndi, henna e escarificação.

Todos os tipos de arte corporal possuem grande significado nessas culturas.

A arte corporal é uma parte crucial da expressão social, espiritual e pessoal.

Rito de Passagem: cercam eventos miliários como puberdade, vinda de idade, casamento e morte:

A criança se torna adulta
Casamentos
Preparação para a guerra ou caça
O nascimento de uma criança
Rituais espirituais
Morte
Arte corporal também mostra a posição de uma pessoa em um determinado grupo.

Origem

Pintura Corporal

Sua origem, sua posição, símbolo de poder, o que você alcançou e experimentou, pode ser como um cartão de identificação, protege das forças do mal, mostra coragem e beleza, pode ser um ato de transformação, luto, conectando com os espíritos dos animais ou da terra, símbolo da fertilidade.

Nas últimas décadas, em alguns países como o Japão, tem sido também ligado à máfia e ao crime.

Alguns rituais estão relacionados com a preparação pessoal: um período de silêncio, sem atividades sexuais, isolamento, algumas tribos também têm de jejuar.

História da pintura do corpo

Pintura Corporal

A pintura do corpo é uma forma de arte que nos seguiu desde os tempos pré-históricos antigos, quando a raça humana nasceu, para os tempos modernos, onde o artista usa o corpo humano como uma lona inovadora que pode mostrar beleza humana como nenhum estilo de arte antes dele. Muitos acreditam que a pintura corporal foi a primeira forma de arte que foi usado por seres humanos, e evidência arqueológica está perto de apoiá-lo.

Registros de várias tribos antigas e modernas de África, Europa, Ásia e Austrália mostram registros claros de sua herança de pintura corporal.

Usando pigmentos naturais de plantas e frutas, as pessoas antigas decoraram-se com pinturas rituais, tatuagens, piercings, plugues e até cicatrizes.

De acordo com muitos historiadores, a pintura corporal era a parte importante da vida diária e espiritual, mostrando frequentemente suas qualidades internas, desejos para o futuro, imagens de deuses e muitos temas naturais ou de guerra.

Lá, a pintura do corpo foi aplicada frequentemente para casamentos, preparações para a guerra, mortes ou funerais, monstrando sua posição e classificação, e dos rituais da idade adulta.

Além de pinturas de corpo temporárias, muitas culturas usaram tinta de rosto ou permanente tatuagem que poderia mostrar muito maiores detalhes do que pinturas feitas de pigmentos naturais.

Todas essas tradições antigas viajaram lentamente com a ascensão da moderna civilização humana, conseguindo permanecer uma parte das tradições mesmo nos tempos modernos. Alguns exemplos de pinturas corporais dia modernos podem ser encontrados na Índia (onde noivas decorar-se com tatuagens) e tribos indígenas afro-americanos que usam pintura corporal para muitas das suas cerimônias religiosas.

A primeira aparência moderna da pintura de corpo inteiro surgiu em 1933, quando famoso inventor de cosméticos Sr. Max Factor causou confusão e perturbação com a sua exposição de modelo nua Sally Rand em 1933 na Feira Mundial de Chicago. O choque deste golpe de marketing público não conseguiu popularizar a pintura do corpo no oeste, mas trouxe à mente de muitos futuros artistas.

O uso generalizado da pintura corporal surgiu durante a década de 1960, quando artistas ocidentais se esforçaram para encontrar uma nova maneira de se expressar de uma forma que será sensacional e chocante. Seu momento veio com a formação do movimento hippie nos Estados Unidos, que aceitou a sexualidade, psicodelia e nudez como seu modo de vida. É importante notar, que a pintura corporal nem sempre é aplicada ao corpo feminino totalmente nu. Ele também pode ser aplicado para o menor pedaço de pele, de costas, mãos, peito e rosto.

Outra forma muito específica da pintura de corpo artístico é usado em movimento alternativo pintura que recebeu alguma tração durante a década de 1950 e 1960.

Nele, o artista aplicada pintura em (geralmente) modelos do sexo feminino, que, em seguida, abraçou tela de imagem e transferidos pintura sobre ele com o seu contato.

Este método foi popularizado principalmente pelo trabalho do artista francês Yves Klein (1928 – 1962), que é hoje considerado como um dos principais pioneiros da arte Performance.

Atualmente, a pintura corporal artística é uma forma aceita de arte alternativa em todo o mundo.

Hoje, a pintura corporal pode ser encontrada em várias formas. São ferramentas excelentes para ganhar a atenção pública no protesto político, e podem também ser encontrados como a ferramenta muito famosa para a fidelidade da propaganda em encontros do esporte.

Fonte: www.bella-volen.com/www.historyofcosmetics.net 

 Leia também Pintura Metafísica

O que é pintura metafísica?

                                              Obra surrealista e metafísica de Chirico

Na arte moderna, a Pintura Metafísica descreve um estilo de pintura desenvolvido durante a era da Primeira Guerra Mundial por dois artistas modernos, ou seja, Giorgio de Chirico (1888-1978) e Carlo Carra (1881-1966), mais tarde se juntou o especialista Giorgio Morandi (1890-1964).

O termo “metafísica” vem da palavra grega para “além das coisas reais”.

A rigor o movimento durou apenas seis meses mais ou menos durante o ano de 1917 e que De Chirico e Carra trabalharam juntos. De Chirico mudando seu estilo no ano seguinte.

Pintura Metafísica – Estilo

A Pintura Metafísica foi um estilo de pintura que floresceu principalmente entre 1911 e 1920 nas obras dos artistas italianos Giorgio de Chirico e Carlo Carrà.

Esses pintores utilizaram imagens representacionais, mas incongruente para produzir efeitos inquietantes sobre o espectador. Seus trabalhos influenciaram fortemente os Surrealistas na década de 1920.

A Pintura Metafísica originou-se com De Chirico.

Em Munique, na Alemanha, onde passou seus anos de formação, De Chirico foi atraído para a pintura romântica alemã do século 19 e para as obras dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche. A busca deste último para significados ocultos além das aparências superficiais e suas descrições de casas vazias cercadas por edifícios arqueados, na cidade italiana de Turim causou uma impressão particularmente profunda sobre De Chirico.

Depois de 1919 de Chirico produziu imagens mais fracas, falta o poder misterioso de seu trabalho anterior, e seu estilo de pintura, eventualmente afundou em um Classicismo excêntrico.

Pintura Metafísica – Giorgio de Chirico

Este estilo de pintura cria um impressão de mistério, através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos, explora os efeitos de luzes misteriosas, sombras sedutoras e cores ricas e profundas, de plástica despojada e escultural. Tem inspiração na Metafísica, ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural.

A Pintura Metafísica antecipa certos aspectos do Dadaísmo, ao aproximar objetos díspares, e também do Surrealismo, ao representar um clima onírico.

Giorgio de Chirico (1888-1978) foi um pintor italiano nascido na Grécia.

Segundo ele, para que fosse verdadeiramente imortal, uma obra de arte teria que abandonar por completo os limites do humano.

A Pintura Metafísica originou-se com De Chirico.

Em Munique, na Alemanha, onde passou seus anos de formação, De Chirico foi atraído para a pintura romântica alemã do século 19 e para as obras dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche. A busca deste último para significados ocultos além das aparências superficiais e suas descrições de casas vazias cercadas por edifícios arqueados, na cidade italiana de Turim causou uma impressão particularmente profunda sobre De Chirico.

Depois de 1919 de Chirico produziu imagens mais fracas, falta o poder misterioso de seu trabalho anterior, e seu estilo de pintura, eventualmente afundou em um Classicismo excêntrico.

Pintura Metafísica – Giorgio de Chirico

Este estilo de pintura cria um impressão de mistério, através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos, explora os efeitos de luzes misteriosas, sombras sedutoras e cores ricas e profundas, de plástica despojada e escultural. Tem inspiração na Metafísica, ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural.

A Pintura Metafísica antecipa certos aspectos do Dadaísmo, ao aproximar objetos díspares, e também do Surrealismo, ao representar um clima onírico.

Giorgio de Chirico (1888-1978) foi um pintor italiano nascido na Grécia.

Segundo ele, para que fosse verdadeiramente imortal, uma obra de arte teria que abandonar por completo os limites do humano.

A Pintura Metafísica originou-se com De Chirico.

Em Munique, na Alemanha, onde passou seus anos de formação, De Chirico foi atraído para a pintura romântica alemã do século 19 e para as obras dos filósofos Arthur Schopenhauer e Friedrich Nietzsche. A busca deste último para significados ocultos além das aparências superficiais e suas descrições de casas vazias cercadas por edifícios arqueados, na cidade italiana de Turim causou uma impressão particularmente profunda sobre De Chirico.

Depois de 1919 de Chirico produziu imagens mais fracas, falta o poder misterioso de seu trabalho anterior, e seu estilo de pintura, eventualmente afundou em um Classicismo excêntrico.

Retratava nas suas obras cenários arquitetônicos, solitários, irreais e enigmáticos, onde colocava objetos heterogéneos para revelar um mundo onírico e subconsciente, perpassado de inquietações metafísicas.

Das suas composições fazem parte elementos arquitetônicos como colunas, torres, praças, monumentos neoclássicos, chaminés de fábricas etc. construindo, paradoxalmente, espaços vazios e misteriosos. As figuras humanas, quando presentes, carregam consigo forte sentimento de solidão e silêncio. São meio-homens, meio-estátuas, vistos de costas ou de muito longe. Quase não é possível entrever rostos, apenas silhuetas e sombras, projetadas pelos corpos e construções.

Pintura Metafísica de Giorgio De Chirico

Giorgio de Chirico – Piazza d’Italia

Giorgio de Chirico – Ettore e Andromaca, 1917

“O regresso do poeta”

Ritorno del Figlio Prodigo, 1965

La nostalgia dell’infinito, 1912-1913

L’enigma dell’ora, 1911

            As Musas Inquietante de Giorgio De Chirico: da metafísica ao surrealismo

Giorgio De Chirico: Pintor, escritor (1888-1978).

Giorgio de Chirico nasceu de pais italianos em Volos, Grécia, em 10 de Julho de 1888.

Em sua arte, ele procurou evocar os significados ocultos por trás vida cotidiana, e suas cenas enigmáticas de cidades vazias, estátuas ameaçadoras, sombras misteriosas e estranhas combinações de objetos do cotidiano inspirou os artistas do movimento surrealista na década de 1910.

Sua importante “metafísica” funcionou a partir desses anos e incluem “O Enigma de uma tarde do outono”, “Juízo do Soothsayer” e “O Mistério e Melancolia de uma rua.”

Depois de uma longa carreira, de Chirico morreu em Roma, Itália, em 19 de novembro de 1978.

                                             Giorgio De Chirico – Artista

O artista italiano Giorgio de Chirico é mais conhecido por suas pinturas enigmáticas da década de 1910 e dos anos 20, e por sua influência no movimento surrealista.

Sua pintura não altera, nem distorce a realidade, muito menos a interpreta. Sua arte nem mesmo é a expressão ou extensão de si próprio. Mas é a expressão de uma não-realidade, de um universo do que não é, nem está. Chirico cria um mundo onírico e fantástico, no qual mesmo os sonhos têm outra concepção. É o nascer do pré-surrealismo.

O pintor greco-italiano nasceu em Vólos, Grécia, a 10 de Julho de 1888. Quando jovem estudou Artes em Atenas e Florença. Depois desse período mudou-se para a Alemanha, onde estudou filosofia e, no ano de 1917, fundou um movimento artístico chamado “Pintura Metafísica” com o pintor Carlos Carrà.

Profundamente entusiasmado por tal tema, Chirico pinta sua primeira e famosa série, ‘Praças de cidades metafísicas’’ – “Melancolia Outonal ” e “O Enigma do Oráculo”.

A sua particular forma de ver e entender o mundo foi fortemente influenciada por filósofos como Nietzsche e Arthur Schopenhauer, os quais impactaram diretamente sua arte metafísica, como se seus quadros fossem a expressão plástica dessas filosofias.

Giorgio de Chirico foi tão enigmático quanto suas primeiras obras. Queria decifrar a essência do Homem, do Universo, as relações, os elementos. Seus quadros tentam dar significado ao abstrato e aos objetos dispostos ao silêncio e ao vazio, retirados de seus comuns cenários para relacionarem-se entre si no mundo absurdo do pintor.

O estilo metafórico de Nietzsche foi absorvido por Chirico e, conseqüentemente, desafogado em suas obras, as quais parecem translações de seu espírito descomprometido com a realidade, quase livres associações.

Para além da filosofia, De Chirico também foi muito inspirado pela poesia de Baudelaire, Rimbaud, Hugo, Apollinaire, Max Jacob, entre outros. Era um romântico, acima de tudo. Ou um sonhador, se é que as duas coisas não são uma só. Suas visões líricas eram tomadas por traços improváveis e anti-realistas, cheios, porém, de simbolismos. Todo este onirismo de seu primeiro período artístico abriu frestas à estética surrealista. Em 1925, participou de sua primeira exposição artística.

Características de sua pintura são os padrões arquitetônicos, elementos simbólicos, manequins, grandes espaços entre um elemento e outro, ou a exploração do vazio. Sua estrutura artística foi inovadora para a época e, como tinha uma linguagem própria, obrigava o observador a buscar informações para compreendê-la.

Por isso ele tratou de escrever algumas notas e ensaios sobre sua produção metafísica.

Com forte inclinação ao academicismo, cada vez mais deixou de lado seu primeiro período artístico, dedicando-se com menos intensidade a uma pintura mais tradicional.

Foi admirado e respeitado, experimentando êxito com sua arte, e influenciou o surrealismo e o dadaísmo.

De Chirico transportou à tela uma certa inquietude existencial que o marcou pessoalmente. Não aquela perturbação que nos míngua a sanidade, mas sim a perturbação que nos eleva o espírito criativo e curioso a ponto de encontrarmos outra realidade e nela vivermos. O pintor morreu em Roma, a 20 de novembro de 1978.

Fonte: www.britannica.com/www.biography.com/obviousmag.org

Leia também   A impressionante arte e tácnica do pontilhismo

A impressionante arte e técnica do pontilhismo

Pontilhismo é muitas vezes considerada parte do movimento pós-impressionista.

Foi inventado primeiramente por George Seurat e o pintor Paul Signac.

Enquanto impressionistas usavam pequenas pinceladas de tinta, como parte de sua técnica, o Pontilhismolevou isso para o próximo nível usando apenas pequenos pontos de cor pura para compor uma pintura inteira.

Pontilhismo atingiu o seu auge na década de 1880 e 1890, depois do movimento impressionista. Muitos dos conceitos e ideias, no entanto, continuam a ser utilizados por artistas no futuro.

Quais são as características do Pontilhismo?

Ao contrário de alguns movimentos de arte, Pontilhismo tem nada a ver com o assunto da pintura. É uma maneira específica de aplicar a tinta na tela.

No Pontilhismo a pintura é composta inteiramente de pequenos pontos de cor pura.

Veja os pontos que compõem o homem de Seurat da pintura O circo

Pontilhismo – Estilo

Pontilhismo é um estilo de pintura na qual as cores não primárias, são geradas pelo efeito visual produzido pela proximidade dos pontos pintados na tela com as cores primárias.

Originalmente desenvolvido pelo Neo-Impressionista Georges Seurat, o movimento também está associada com Paul Signac e Henri-Edmond Cross.

Quando as obras são vistas de longe, a certa distancia, os pontos com os quais as pinturas são feitos, não se conseguem distinguir, em lugar disso, produz-se um efeito visual que nos leva a perceber outras cores.

Isto significa que, com o mesmo conjunto de primárias, os pontilhistas podem gerar uma gama de cores diferentes quando comparados com artistas usando as cores tradicionais ou técnicas de mistura de cores.

O resultado é por vezes descrito como brilhante ou benéfico uma vez que é o olho do observador quem faz a mistura, e não o pincel.

Este efeito pode ser explicado a traves do conhecimento da teoria das cores e nos efeitos das cores aditivas e subtractivas.

Geralmente quando as cores são produzidas por pigmentos misturados fisicamente, falamos da teoria da cor subtractiva no trabalho.

Aqui, a mistura dos pigmentos das cores primárias produzem menos luz, por isso, se nós misturarmos pigmentos vermelho, azul e amarelo (cores primárias subtractivas), obtemos uma cor negra.

Quando as cores, no entanto, são produzidas pela mistura da cor luz, então falamos da teoria aditiva da cor no trabalho.

Aqui, a mistura das luzes das três cores primárias produzem mais luz; por isso, se nós misturarmos vermelho, azul e verde luz (aditivos primários) obtemos algo que se assemelha a luz branca.

O efeito brilhante no pontilhismo aumenta a partir do fato de que a mistura subtractiva é evitada e produz-se uma mistura mais próxima do efeito aditivo é obtida através do mesmo pigmentos.

O tipo de pincelada utilizada para a realização de pontilhismo é feita à custa dos tradicionais pinceladas que poderiam ser utilizadas para delinear textura.

Para esclarecer mais um pouco este estilo de pintura e só desde um ponto de vista ilustrativo, podemos fazer uma semelhança do pontilhismo com os receptores de televisão ou ecrãs de computadores tanto CRT e LCD, os quais se baseiam em minúsculos pontos primárias vermelho, verde e azul que se misturam entre si para formar uma grande diversidade de cores.

Pontilhismo – O que é

Técnica pictórica que se orienta a partir de um método preciso: trata-se de dividir as cores em seus componentes fundamentais.

As inúmeras pinceladas regulares de cores puras que cobrem a tela são recompostas pelo olhar do observador e, com isso, recupera-se sua unidade, longe das misturas feitas na paleta.

A sensação de vibração e luminosidade decorre da “mistura ótica” obtida pelos pequenos pontos de cor de tamanho uniforme que nunca se fundem, mas que reagem uns aos outros em função do olhar à distância, tal como descrito por Ogden Rood em seu tratado sobre a teoria da cor, Cromática Moderna, 1879.

O termo “peinture au point” (“pintura de pontos”) é cunhado pelo crítico francês Félix Fénéon (1861-1944) – um dos principais críticos de arte ligado ao movimento -, numa referência à tela Um Domingo de Verão na Grande Jatte (1886), de Georges Seurat (1859-1891).

Seurat é um dos líderes da tendência artística batizada (também por Fénéon) de neo-impressionismo, cujos adeptos desenvolvem de modo científico e sistemático a técnica do pontilhismo. Tanto Seurat como Paul Signac (1863-1935) preferem falar em divisionismo, numa referência direta à divisão das cores.

Apesar de usados muitas vezes como sinônimos, os termos guardam uma ligeira distância entre si: divisionismo indica mais freqüentemente a teoria, enquanto pontilhismo tende a designar a técnica propriamente dita.

O neo-impressionismo – ao mesmo tempo um desenvolvimento do impressionismo e uma crítica a ele – explicita a tentativa de um grupo de artistas de fundar a pintura sobre leis científicas da visão. Se a famosa tela de Seurat compartilha o gosto impressionista pelas pintura ao ar livre (um dia ensolarado às margens do Sena) e pela representação da luz e da cor, o resultado aponta numa outra direção.

Em lugar do naturalismo e da preocupação com os efeitos momentâneos de luz, caros aos impressionistas, o quadro de Seurat expõe figuras de corte geométrico que se apresentam sobre um plano rigorosamente construído a partir de eixos horizontais e verticais.

Os intervalos calculados entre uma figura e outra, as sombras formando ângulos retos e a superfície pontilhada atestam a fidelidade a um programa teórico apoiado nos avanços científicos da época. O rompimento com as linhas mestras do impressionismo verifica-se sobretudo pelo acento colocado na pesquisa científica da cor e no pontilhismo, já experimentado por Seurat em Banhistas em Asnières (1884).

O divisionismo, como quer Seurat, tem em Jean-Antoine Watteau (1684-1721) e Eugène Delacroix (1798-1863) dois reconhecidos precursores. No interior do impressionismo foi testado mais de perto por Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) em trabalhos como Canoeiros em Chatou (1879) e por Camille Pissarro (1831-1903), que utiliza a técnica em diversos trabalhos realizados entre 1850 e 1890.

Signac desenvolve o pontilhismo em boa parte de sua obra (Retrato de Félix Fénéon, 1890 e Entrada do Porto de Marselha, 1911, por exemplo). Só que em seus trabalhos os pontos e manchas se tornam mais evidentes e são dispostos de maneira mais dispersa, rompendo, nos termos do crítico Giulio Carlo Argan, a “linha melódica da cor”.

O nome de Maximilien Luce (1858-1941) figura como mais um adepto da escola neo-impressionista a fazer uso do pontilhismo.

O neo-impressionismo tem vida curta mas exerce influência sobre Vincent van Gogh (1853-1890) e Paul Gauguin (1848-1903), e também sobre Henri Matisse (1869-1954) e Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Vale lembrar que o termo divisionismo refere-se ainda a um movimento italiano da última década do século XIX e início do século XX, uma das fontes geradoras do futurismo.

É possível pensar em ecos do pontilhismo nas pesquisas visuais contemporâneas, na op art e na arte cinética. No Brasil, difícil aferir uma influência direta do neo-impressionismo ou localizar pintores que fazem uso sistemático do pontilhismo.

Talvez mais fácil seja pensar, de modo amplo, em reverberações das pautas impressionista e neo-impressionista entre nós, seja nas cores claras e luminosas de algumas telas de Eliseu Visconti (1866-1944) – Trigal (s.d.) por exemplo -, seja em obras de Belmiro de Almeida (1858-1935), como Efeitos ao Sol (1892).

Pontilhismo – Técnica

O pontilhismo é uma técnica que como o nome diz usa pontos para formar a imagem. Com eles definimos sombras, luz, escala de tons, profundidade e etc.

Há duas variantes desta técnica na língua inglesa: a stripple, onde usa pontos apenas na coloração preta normalmente com caneta naquim e o pontilism onde é permitido usar pontos coloridos. Na língua portuguesa as duas são chamadas de pontilhismo.

Esta técnica utiliza muito dos conceitos ópticos provenientes desde a época impressionista. E não foi a toa que neste período que ele surgiu como uma vertente Neo-impressionista, seu principal artista e representante foi Georges Seurat.

Utilizando os estudos das cores complementares onde deveriam ser justapostas e não mescladas deixando a retina completar a imagem e voltando com o quadro para o ateliê onde trabalhava ponto por ponto foi dado inicio a essa técnica.

Uma observação interessante é que o pontilhismo é a versão manual da impressão que conhecemos hoje padrão CMYK.

Breakfast, Paul Signac, 1886-1887.

Portrait of Félix Fénéon, Paul Signac, 1890.

New York, Georges Seurat, 1888.

M.Ramos

Fonte: www.ducksters.com/www.importzehdesign.com/www.itaucultural.org.br/www.amopintar.com